Intervista al coreografo Paolo Mangiola: “WE” in scena a “Tevere in Danza 2026”

Lavorando come interprete, coreografo e direttore artistico – prima per ŻfinMalta, la Compagnia Nazionale di Danza di Malta, e poi per il Balletto del Teatro Nazionale Croato Ivan pl. Zajc di Fiume – hai ricoperto ruoli diversi nel corso della tua carriera. Come hai vissuto il ruolo di direttore artistico e dove ti ha portato questo percorso? 

È avvenuto tutto in modo molto naturale. Quando si è presentata l’opportunità di diventare direttore artistico, ero inizialmente spaventato perché ero molto giovane. Improvvisamente ti ritrovi a capo di un’organizzazione con un budget considerevole e in una posizione in cui le tue decisioni possono avere un impatto reale. Ogni decisione deve essere ponderata con estrema attenzione. Allo stesso tempo, sono stato fortunato perché ho avuto il pieno supporto del Consiglio di Amministrazione e del mio team. Sono riuscito a costruire una squadra che condivideva la stessa visione e ogni singola persona, dai ballerini in poi, ha contribuito attivamente a realizzarla. Si trattava davvero di ascoltarsi a vicenda. Dopo Malta mi sono trasferito a Fiume, dove sono rimasto per una stagione. Dopo quasi dieci anni di leadership, mi sono reso conto di aver gradualmente dato priorità all’aspetto dirigenziale del mio lavoro, quello curatoriale, aiutando compagnie e istituzioni a realizzare la loro visione. Allo stesso tempo, sentivo l’urgenza di tornare a creare come coreografo. Anche se ho sempre continuato a creare, parallelamente al mio lavoro di direttore, queste posizioni inevitabilmente prendono molto tempo. Dopo la mia ultima esperienza a Fiume, che non si è rivelata giusta per me perché la mia visione artistica non era in linea con quella del teatro, ho preso quella che probabilmente è stata una decisione molto coraggiosa. Mi sono dimesso e sono tornato a Milano, dopo cinque anni lontano dall’Italia, perché desidero fondare una mia agenzia, una mia compagnia, e dedicarmi al mio lavoro artistico.

Quindi, il ruolo di Direttore artistico ha modificato anche il tuo modo di vedere la danza e la pratica stessa della danza?

Assolutamente, il mio modo di vedere la danza è diverso ora rispetto a prima. Ho sempre nutrito un profondo amore e rispetto per questa forma d’arte, ma crescendo si iniziano a comprendere i diversi ruoli all’interno del settore e l’importanza di ciascuno di essi. Come ballerino, non pensi ai budget o alle priorità istituzionali. Nel momento in cui si assumono altri ruoli, si inizia a capire quanta responsabilità ci sia e quali siano le vere priorità. Dato che provengo letteralmente dalla sala di danza – sono cresciuto in uno studio di danza – questo percorso mi ha aiutato a valutare le situazioni dall’interno. Qualunque sia il mio ruolo, cerco sempre di mettere al primo posto i ballerini e il pubblico.

Per quanto riguarda le tue coreografie e il tuo processo creativo, hai un punto di partenza preferito?

Il mio lavoro inizia sempre con qualcosa che non conosco. Una domanda. Parte da un argomento che suscita curiosità, un argomento che si allinea con i miei valori e che desidero approfondire. È una sorta di urgenza. Non sono uno di quei coreografi che credono che la danza sia una questione di “descrizione”. Non si tratta di tradurre un film in danza o una storia in danza. Non credo nella narrazione in questo senso. Di solito, parto da argomenti complessi. Spesso ruotano attorno a idee come l’ecologia, l’interdipendenza e valori che sono parte integrante di ciò che sono. Dopodiché, cerco di riunire attorno a un tavolo il maggior numero possibile di esperti per discutere insieme l’argomento. È un processo incredibilmente collaborativo. Solo dopo tutte queste conversazioni, si iniziano a mettere le idee sul tavolo. Poi, naturalmente, il compito del coreografo è capire come queste idee possano prendere forma attraverso il movimento. È qui che sorgono le difficoltà, perché il movimento, come linguaggio, è molto difficile da interpretare.

A Tevere in Danza presenti il lavoro WE. Puoi parlarcene?

È il frutto di una riflessione iniziata tredici anni fa: deriva in parte da un lavoro che avevo intitolato Race. A quel tempo stavo conseguendo un master a Londra ed ero interessato al tema dell’identità, a cosa significhi appartenere a una comunità. Il titolo nasceva da questo doppio significato: razza come “appartenenza e identità”, ma anche come “competizione”. WE, che è appunto un’evoluzione di quel primo risultato, approfondisce i temi dell’incontro tra i corpi e delle relazioni. Il pezzo è costruito attorno a tre duetti, ognuno dei quali esplora diverse qualità fisiche e diversi tipi di relazioni. L’idea è quella di offrire al pubblico un’esperienza in cui possano riconoscersi. 

Virginia Woolf è stata un’altra fonte di ispirazione per il tuo lavoro. Come mai?

Quando vivevo a Londra ero interessato alle scrittrici e stavo facendo delle ricerche su Virginia Woolf. Nel periodo in cui ho iniziato la ricerca su Race ho incontrato un’attrice e ho pensato di coinvolgerla nel processo creativo. Alla fine abbiamo scelto alcuni passaggi da “Le onde”. Quei testi erano perfetti perché erano in linea con ciò che il pezzo voleva dire sulla relazione tra un uomo e una donna. Drammaturgicamente, offrivano un ulteriore punto di accesso per il pubblico. Pensai che avere una voce fuori campo avrebbe in qualche modo aiutato il pubblico a cogliere più facilmente il significato dell’opera. Naturalmente, quando sei un giovane coreografo hai sempre paura che il tuo lavoro non venga compreso. Una volta messa insieme l’intera struttura, tutto ha avuto un senso. 

Ogni spettacolo si svolge in un contesto diverso. Quanto è importante per una coreografia entrare in dialogo con lo spazio in cui viene eseguita?

Ogni spazio porta con sé la propria storia. Credo che i coreografi debbano sempre tenerne conto. Ogni opera dovrebbe essere in grado di adattarsi al luogo in cui viene presentata. La danza non è statica. Non è come un film, che una volta finito “that’s it”. La danza ha sempre la possibilità di adattarsi: allo spazio, al luogo, al pubblico e al festival. Non voglio che il pezzo sembri un’astronave aliena che semplicemente atterra in un posto e ci rimane. Tutt’altro. Idealmente, il pezzo dovrebbe entrare in dialogo con il luogo. Se c’è abbastanza tempo, e se i ballerini sono pronti ad adattarsi, lavoreremo sicuramente con lo “spazio”. Sono molto felice di far parte di questo festival.